Debuttare a cent’anni: i dipinti di Anna Maria Fabriani

 È la prima volta che le sue opere si offrono allo sguardo del pubblico. Un sicuro talento il

La pittrice Anna Maria Fabriani ha compiuto ieri 100 anni, il sindaco Mario Pardini e il consigliere comunale Gianni Giannini FONTE LA NAZIONE.IT

suo, affinatosi accanto a uno dei maggiori esponenti della Scuola Romana, Carlo Socrate, ma rimasto poi confinato nella dimensione domestica, per censura e autocensura, per quel non sentirsi all’altezza, perché per le donne non è mai stato facile (e in parte ancora

non lo è) ottenere la giusta considerazione e i relativi riconoscimenti, figurarsi nell’Italia patriarcale del secondo dopoguerra. E se una prima volta è sempre importante, questa è davvero speciale. Sì perché l’artista a cui è dedicata questa prima retrospettiva è Anna Maria Fabriani, nata a Roma nel 1924, e che lo scorso 28 giugno ha compiuto cento anni. La mostra Anna Maria Fabriani – Riverberi e trame della Scuola Romana, a cura di Sabina Ambrogi, figlia dell’artista, è allestita nei magnifici e prestigiosi spazi di Palazzo Merulana, a Roma, fino al 6 ottobre. E benché la pittrice ora viva a Lucca, all’inaugurazione, il 4 settembre, è stata presente, forse un po’ frastornata da attenzioni e complimenti ma sempre lucida e ironica, tanto da dire alla figlia Sabina artefice di tutto: "Ma cosa ti è venuto in mente?".

Ha sempre dipinto Anna Maria, figlia di un designer industriale, Raffaele Fabriani, e di Maria Magris, appartenente a una famiglia di illustratori, pittori, architetti. Nel dopoguerra, con i soldi guadagnati come impiegata al ministero degli Esteri, si paga gli studi all’Accademia di Belle Arti di via Ripetta, dove diventa allieva di Carlo Socrate. Nel 1960 sposa Silvano Ambrogi, scrittore e drammaturgo, autore tra l’altro de I Burosauri, commedia di successo, scelta anche da Roberto Benigni per il suo debutto come attore. Nascono Cecilia e Sabina, si dedica all’insegnamento e dalla fine degli anni ’60 smette di dipingere. "Non è assolutamente dipeso da mio padre, è stata una sua scelta", tiene a precisare Sabina.

Passano molti anni prima che riprenda i pennelli in mano. Accade pochi mesi dopo la morte del marito, scomparso nel ’96. Si ricorda di un ritratto che gli aveva fatto da giovane, mai completato e rimasto confinato in cantina. Da quel momento ricomincia a dipingere e continua, con quella passione, quasi un’ossessione, che la portava a non essere mai soddisfatta. "La notte cancellava con una lametta – racconta Sabina – quello che aveva dipinto durante il giorno. La mattina dopo riprendeva a dipingere su quella tela, per poi, la sera, tirare via di nuovo tutto". Dipingeva nella sua stanza da letto: nature morte, fiori, ritratti: soggetti che rispecchiano il suo orizzonte domestico e il bellissimo ritratto della figlia Cecilia ne è l’immagine simbolo sul manifesto della mostra. Nel 2018, dopo avere realizzato un centinaio di opere, si ferma perché non riesce più a stare in piedi davanti al cavalletto e non è pensabile per lei dipingere da seduta.

Nella mostra di Palazzo Merulana ci sono quadri del primo periodo della sua attività, dal ritratto di Rosetta e della madre, Maria Magris, del 1953, e quelli della seconda fase fino all’ultimo, Limoni e bottiglia di amaro. Ha impiegato anni Sabina Ambrogi a recuperare i quadri della madre, molti messi via senza nessuna attenzione così da avere bisogno di importanti restauri. Alcuni ritrovati per caso, macchiati di vernice, ammuffiti, nella cantina di un palazzo a Villa Fiorelli, a Roma, dove la pittrice aveva abitato dal 1934 al 1960. E altri ne mancano all’appello, come quelli spediti nel 1959 al fratello Maurizio, in Venezuela, scaricati al porto di Caracas e di cui si sono poi perse le tracce. La speranza è che questa mostra possa, in qualche modo, come lanciando “un messaggio in una bottiglia“, aiutare a ritrovarli.

si è artisti in vita ma i media e a massa non s'occorgono salvo qualche barlume . il caso del fotografo Paolo di Paolo

     in  sottofondo     

morte  di  un poeta   -  Mcr  (  Modena City Ramblers  ) 

  

 Tutti i media   eran  occupati   dalle  morti    di  alcune  celebrità politiche  e culturali  . Tanto  da  far  passare  in secondo  piano  la  morte (  salvo  qualche trafiletto   nella  pagina  della  cultura  o riviste  specialistiche  d'arte  e  di  fotografia )   di  uno   dei fotografi italiani , Paolo di Paolo ,  più  importanti  degli ultimi 60  anni  della storia  del  costume    Italiano  . Si può morire dimenticati   (  salvo  da  pochi appassionati    delle  sue  opere  ) o   nell'indifferenza  (  vedere  canzone  in  sottofondo )   , si può morire cercando di  restare fino all’ultimo sulla scena, si può morire lontani dal mondo e si può morire con la sensazione illusione  che si verrà ricordati.

In questi giorni  come   ricorda il  giornalista  Mario Calabresi  riporto  sotto  l'articolo     delll'ultimo n   della  Newsletters    altre storie     in  quanto  è  grazie   a   lui  che   l'ho scoperto    ed  ho  identificato  alcune  foto    che   avevo    visto   su  alcune riviste   ed  in alcuni siti  <<    ci hanno lasciato molte persone che hanno incrociato le nostre vite e che ci sembrava di conoscere, da Silvio Berlusconi a Francesco Nuti, da Flavia Franzoni Prodi allo scrittore americano Cormac McCarthy. Quest’ultimo aveva 89 anni, ma da tanto tempo era scomparso e viveva come un monaco di clausura a Santa Fe in New Mexico. A parlare per lui c’erano però i suoi potentissimi libri. Ma c’è un uomo, che è scomparso a 98 anni la stessa mattina di Berlusconi, che voglio ricordare per molti motivi: stima, amicizia e perché ha avuto l’occasione di nascere due volte, la seconda quando aveva novant’anni. Grazie a sua figlia. >>

LA STORIA

L’uomo che nacque due volte

di Mario Calabresi

Si può morire dimenticati, si può morire cercando di restare fino all’ultimo sulla scena, si può morire lontani dal mondo e si può morire con la sensazione che si verrà ricordati. In questi giorni ci hanno lasciato molte persone che hanno incrociato le nostre vite e che ci sembrava di conoscere, da Silvio Berlusconi a Francesco Nuti, da Flavia Franzoni Prodi allo scrittore americano Cormac McCarthy. Quest’ultimo aveva 89 anni, ma da tanto tempo era scomparso e viveva come un monaco di clausura a Santa Fe in New Mexico. A parlare per lui c’erano però i suoi potentissimi libri. Ma c’è un uomo, che è scomparso a 98 anni la stessa mattina di Berlusconi, che voglio ricordare per molti motivi: stima, amicizia e perché ha avuto l’occasione di nascere due volte, la seconda quando aveva novant’anni. Grazie a sua figlia.

La prima volta al mare, Rimini 1959 ©Archivio Fotografico Paolo Di Paolo Si chiamava Paolo Di Paolo, era nato in Molise nel 1925, si era trasferito a Roma per studiare al liceo classico e poi filosofia all’Università. Nel dopoguerra aveva frequentato il mondo artistico romano ed era rimasto affascinato dalla fotografia, così aveva cominciato a “scattare per diletto” (questo per lui era il senso vero della parola “dilettante”) ma presto quel passatempo era diventato un lavoro e il settimanale “Il Mondo” di Pannunzio la sua casa. Dal 1954 al 1968 è stato uno dei più grandi narratori per immagini della trasformazione dell’Italia, ha raccontato il boom industriale, la Dolce Vita, il mondo del cinema, ha percorso tutte le coste del nostro Paese per raccontare le vacanze degli italiani insieme a Pier Paolo Pasolini (estate 1959) regalandoci un reportage indimenticabile. Un’Italia in cui convivevano giovani donne a capo velato che a Campobasso portavano le ceste sulla testa e ragazze in mini short sul lungomare di Viareggio, nuove linee aeree e trasporti a dorso d’asino, l’autostrada del Sole e la civiltà contadina. Era un tempo di speranza, in cui la fame reale lasciava il posto alla fame di sapere, conoscere e alla voglia di voltare definitivamente pagina. Il padre della sposa. Trani, Puglia, 1959 © Archivio Fotografico Paolo Di Paolo Fuoriserie al Gargano, 1959 ©Archivio Fotografico Paolo Di Paolo Paolo Di Paolo ha un modo di lavorare rigoroso, molto etico e profondamente rispettoso delle persone che fotografa. Negli anni Sessanta il tema della privacy emerge per la prima volta, i “paparazzi” rompono qualunque codice esistente, violando intimità e tradizioni. Nulla sembra essere più sacro, anche se con gli occhi di oggi non possiamo che sorridere di fronte a chi riteneva lecita qualunque intromissione nella vita dei personaggi pubblici quando apparivano sulla scena. Il presente di questo nuovo Millennio ci racconta di violazioni che arrivano dentro il letto di casa, ma la società di allora viveva il cambio di paradigma come un terremoto. Di Paolo invece è l’uomo delle intimità rispettate. In un’epoca in cui la macchina al collo era diventata un’arma e il titolo di “fotografo” non era propriamente esaltante, lui sceglie il garbo, preferisce fare un passo indietro quando capisce che pubblicare significherebbe creare dolore o rompere un rapporto di fiducia. Marcello Mastroianni e Faye Dunaway, 1968 © Archivio Fotografico Paolo Di Paolo Le immagini che meglio testimoniano questo approccio alla vita e al lavoro non sono quelle dei tanti divi che ha ritratto ma il servizio fatto al Circeo ad Anna Magnani e a suo figlio. Il bambino era poliomielitico e non era mai stato fotografato, questo aveva scatenato la morbosità e la caccia allo scoop, la Magnani viveva la situazione con disperazione e in continua fuga. Finché decise di giocare d’anticipo e, conoscendo lo stile di Di Paolo, lo invitò nella villa di Punta Rossa per bruciare i paparazzi e chiudere la caccia. Si fece trovare con un costume nero e il cane, il figlio era in acqua che nuotava benissimo. Gli disse soltanto: “Sei tu il fotografo? Ahò datte da fà”. Realizzò un servizio unico, di intimità e tenerezza mai viste. In quegli stessi anni fotografò Oriana Fallaci che giocava a fare la diva sulla spiaggia del Lido di Venezia, ma quelle foto non verranno mai pubblicate. Anna Magnani al Circeo ©Archivio Fotografico Paolo Di Paolo Oriana Fallaci ©Archivio Fotografico Paolo Di Paolo Poi “Il Mondo” chiude, i “paparazzi” la fanno da padroni, i direttori dei giornali cominciano a chiedere “scoop” e scandali e lui non si sente più a casa. A 43 anni, nel 1968, decide di lasciare tutto e di uscire di scena. Si trasferisce a vivere in campagna insieme alla giovane moglie, prendono otto cani e Paolo si rimette a studiare. Nella sua nuova vita ci saranno libri di storia e l’ideazione dei calendari dei Carabinieri, ma mai più una sola fotografia. Per trent’anni i suoi scatti restano chiusi in cantina, nessuno li vede più, finché un giorno, alla fine degli anni Novanta, la figlia Silvia ci si imbatte cercando un paio di scarponi da sci. «Avevo notato incuriosita - racconterà - una cassettiera e uno scaffale stipati di scatole arancioni. Erano piene di negativi e di stampe fotografiche. Poi c’era uno schedario in cui erano classificati, in ordine alfabetico, nomi di artisti, attori e scrittori… Ho iniziato ad aprire le scatole e sono rimasta folgorata da quelle stampe, così sono corsa da papà felicissima per chiedergli chi le avesse fatte. Mi rispose a mezza voce: “Sono mie, le ho fatte io, un tempo sono stato fotografo. È roba passata, non mi va di parlarne”». Pierpaolo Pasolini ©Archivio Fotografico Paolo Di Paolo Paolo Di Paolo con la figlia Silvia - Roma, 2017 © Bruce Weber Piano piano, però, si scioglie e comincia a raccontare, Silvia pensa che quella storia vada condivisa, si guarda tutti i 250mila negativi e si convince che le sue foto meritino una mostra, ma prima che ciò accada passano altri vent’anni. Quando ho incontrato Paolo Di Paolo la prima volta sono rimasto incantato dal suo stile, dalla sua cortesia, dal piacere che aveva nel ricordare le persone e un “mondo perduto” (questo sarà poi il titolo della grande mostra che gli dedicherà il MAXXI di Roma nel 2019) e dall’amore per il lavoro che aveva fatto finché non gli era stato chiesto di scendere a compromessi. Lo ricordo all’inaugurazione, emozionato e felice, camminare dritto con un dolcevita rosso e la giacca blu. Non poteva credere di essere stato riscoperto, di aver potuto riaprire una pagina che era stata voltata mezzo secolo prima. Stringeva le mani e rispondeva a televisioni e giornalisti, sorridendo a tutti con una solarità invidiabile. Aveva 93 anni. Contadina, funerali di Palmiro Togliatti, 25 agosto 1964 © Archivio Fotografico Paolo Di Paolo L’ultima volta che ci siamo incontrati gli ho chiesto quale immagine sceglierebbe se potesse salvarne una sola. Mi ha risposto senza esitazioni: quella scattata ai funerali di Palmiro Togliatti, dove nella grandiosità di un evento di massa emerge il dolore di una donna del popolo. Una donna con i capelli bianchi, un foulard in testa e dei fiori tra le mani. Paolo Di Paolo era rimasto convinto fino alla fine che gli esseri umani e i loro sentimenti dovessero essere al centro della storia.

Quelle "signorine per bene che giocavano a calcio" e sfidarono il duce: la prima squadra di football femminile

da  https://cultura.tiscali.it/storie/articoli/


Nasceva novant'anni fa a Milano. Libri, articoli e uno spettacolo teatrale prodotto dalle compagnie Meridiano Zero, Teatro Tabasco, Compagnia Vaga per la regia di Laura Garau scritto e interpretato da Michele Vargiu che sta girando l'Italia raccontano la vicenda del Gruppo Femminile Calcistico milanese

                                     di    Francesca Mulas

“Si può essere signorine per bene e da casa e praticare al puro scopo ginnasstico lo sport del calcio”. Così la giovane milanese Losanna Stringaro difendeva novant'anni fa, sulle pagine del quotidiano Il Littorio, il suo Gruppo Femminile Calciatrici, la prima squadra di calcio femminile nata in Italia. L'esperimento, come lo chiamarono le stesse fondatrici, durò poco meno di un anno ma rivoluzionò per sempre la visione dello sport italiano e fu una preziosa prova di coraggio e libertà nel tempo in cui il fascismo imponeva la sua visione autoritaria e oppressiva sulle donne.

La storia, ancora poco nota, è stata ben raccontata dalla giornalista Federica Seneghini che tre anni fa ha dato alle stampe per le edizioni Solferino "Giovinette. Le calciatrici che sfidarono il duce", un saggio che ripercorre la vicenda di Rosetta, Giovanna, Marta, Elena e le altre donne coraggiose che, appassionate di calcio, scelsero di dare vita a una squadra tutta al femminile sfidando i pregiudizi e gli stereotipi che volevano le donne chiuse in casa mentre gli uomini si occupavano di politica, cultura, lavoro e sport.

 Oggi quello stesso incredibile coraggio è al centro di "Le fuorigioco", spettacolo teatrale prodotto dalle compagnie Meridiano Zero, Teatro Tabasco, Compagnia Vaga per la regia di Laura Garau scritto e interpretato da Michele Vargiu che racconta la storia del GFC, il Gruppo Femminile Calcistico milanese nato tra il 1932 e il 1933; lo spettacolo, che da mesi sta girando il Paese, andrà in scena il prossimo 23 giugno a Sestu, provincia di Cagliari, per il festival “Storie di donne, donne e la storia”.

                                 L'attore Michele Vargiu nello spettacolo "Le fuorigioco"

Era l'autunno del 1932 quando un gruppo di ragazze fondò la squadra per sole donne. Nonostante allora questo sport fosse roba da uomini, le intenzioni delle giovani erano serissime: crearono un programma con regole ben precise e lo inviarono a tutti i giornali perché lo pubblicassero, con l'obiettivo di cercare altre donne interessate a entrare in squadra. Il gioco era diverso da quello maschile: le partite erano divise in due tempi da 15 minuti l'uno, si calciava rasoterra e il pallone era "poco più grande di una palla di gomma, di quelle con cui giocano i bambini". Insieme alla nota stampa le "tifosine", come loro stesse si chiamavano, allegarono anche una foto di gruppo realizzata in uno studio fotografico.
Il 26 marzo 1933, davanti a un pubblico di parenti e amiche, ci fu il primo allenamento della squadra, mentre a fine maggio il giornale "Il Calcio Illustrato", l'unico che prese sul serio l'idea e diede spazio alle notizie del GFC, dedicò un'ampio spazio a interviste, commenti, opinioni intitolato "Un'ora con le calciatrici milanesi". Il giornalista notò un gioco piuttosto lento, scarsa abilità e parecchia inesperienza, tuttavia il suo era un punto di vista finalmente serio a fronte di tanti commentatori sarcastici, e sottolineava "poca agilità in corsa, cadute che erano dei crolli, assenza di dribbling, abuso del colpo di punta al pallone, pochissimi i colpi di testa e gli shoots" nel gioco delle ragazze, come riporta lo studioso Marco Giani nell'articolo "'Amo moltissimo il giuoco del calcio'. Storia e retorica del primo esperimento di calcio femminile in Italia" pubblicato nella rivista La Camera Blu del 2017. "Costituiamo una famiglia sempre in aumento, ci vogliamo bene, e continueremo", così Losanna Stringaro al giornalista de Il Calcio illustrato.

Arrivava nel frattempo l'autorizzazione al gioco da parte di Leandro Arpinati, che in quei mesi presiedeva il Coni e la Figc, a patto però che le ragazze giocassero a porte chiuse; le calciatrici furono costrette a chiedere un certificato medico a Nicola Pende, direttore dell’Istituto di biotipologia individuale e ortogenesi di Genova, allora considerato tra i medici più autorevoli dal fascismo, che diede il suo consenso: "Io credo che dal lato medico - scrisse - nessun danno può venire né alla linea estetica del corpo, né allo statico degli organi addominali femminili e sessuali in ispecie, da un gioco del calcio razionalizzato e non mirante a campionato, che richiede sforzi di esagerazioni di movimenti muscolari, sempre dannosi all’organismo femminile. Giuoco del calcio dunque, sì, ma per puro diletto e con moderazione!".
Conquistato il sì dalle autorità politiche e sanitarie, non restava alle ragazze che giocare: la prima partita ufficiale si disputò l'11 giugno 1933 nel campo milanese Paolo Filzi tra le milanesi "G.S. Ambrosiano" e il "G.S, Cinzano" che conquistò la vittoria con una rete a zero su gol di Mina Bolzoni; sugli spalti, un migliaio di persone. Pochi mesi dopo Leandro Arpinati lasciò la presidenza del Coni e il suo posto venne occupato da Achille Starace, gerarca fascista e uomo meno incline alle sperimentazioni rispetto al suo predecessore, che impose la fine del Gfc suggerendo altri sport "più consoni" al genere femminile.
L'esperienza di Elena Cappella, la più piccola della squadra ad appena 14 anni, Giovanna, Gina, Rosetta e Marta Boccalini, Losanna Stringaro, Brunilde Amodeo, Maria Lucchese e le altre giovani coraggiose si concluse così. Se le partite erano terminate restava invece eterno l'esempio del gruppo di coraggiose che scelsero di rompere gli stereotipi e mostrare al Paese che le donne potevano liberarsi dal ruolo di angeli del focolare e cercare divertimento e libertà in un campo sportivo. A queste donne pochi anni fa il Comune di Milano ha intitolato una strada nella zona di Parco Sempione.

i I dolci di Anna Gardu per raccontare una Via Crucis speciale La mostra a Irgoli alla presenza di Vittorio Sgarbi

 

da la nuova sardegna 28\3\2023

Una mostra sulla via Crucis dal sapore e dal tratto particolare. Quindici tavole che documentano il percorso doloroso del Cristo con l’ultima di queste dedicata alle Sacre Spine di Irgoli. Un elemento tra religiosità e leggenda con le Sacre Spine, un tratto distintivo di questa comunità che è conservata nella chiesa parrocchiale di San Nicola: la tradizione dice che quella è appartenuta alla corona, di spine, appunto, che ha cinto la testa di Gesù nel momento della Crocifissione. Una tradizione e una leggenda appunto intrisa di devozione e spirito cristiano. Anna Gardu, dopo l’intenso lavoro dei mesi scorsi, firma una mostra di grande impatto secondo lo stile che caratterizza l’artista capace di creare dei veri e propri gioielli con pasta, mandorle e zucchero. Dolci buoni per il palato e gioia anche per la vista per forma e cromatismi. Abituata alle sfide negli sconfinati campi dell’arte questa volta l’artista originaria di Oliena, è stata chiamata a pensare attraverso le sue opere decorate con un minuzioso processo di miniaturizzazione che esalta tratti e figure, uno dei momenti più toccanti e ricchi di pathos della Settimana santa: la via Crucis. Calando il rito nei canoni davvero particolari della tradizione di Irgoli, centro che conserva intatte numerose tradizioni (dal canto liturgico alle eccellenze architettoniche), tra queste emerge con forza la Sacra

Spina. Un tratto distintivo della Pasqua di questo centro della Baronia che in queste giornate è caratterizzato dalla presenza dei fedeli davanti alla teca della parrocchiale. Momenti che diventano sempre più grandi e intensi. In tutte le tavole della Via Crucis di Anna Gardu è rappresentato un telo rosso. Quello in cui rimasero infilzate le sante spine. Ci sarà poi una sedicesima tavola che raffigurerà il mendicante con le spine sante. La mostra verrà inaugurata nella chiesa di Santu Miali a Irgoli, sabato 8 aprile, alle 18. Oltre all’artista ci sarà il sottosegretario alla Cultura Vittorio Sgarbi, da sempre grande estimatore dell’arte di Anna Gardu, il consigliere regionale Franco Mula. L’incontro sarà moderato dal giornalista Antony Muroni. Questa volta stimolata a esporre a Irgoli all’interno della manifestazione
Andalas Anna Gardu ha tirato fuori dal suo estro un nuovo capolavoro che i visitatori potranno ammirare nella chiesetta di Santu Miali, dedicata a san Michele, risalente al 1200. Qui Anna Gardu che porta avanti con orgoglio l’arte dolciaria esistente da quattro generazioni nella sua famiglia

Al telaio contro la guerra Guernica per il Man dalle tessitrici di Sarule dello studio Pratha La designer Laura Lai: «I simboli di Picasso, studiati e resi con la lana»

Mentre  cercavo qualcosa    con cui  distrarmi    e  rimanere fedele   ai mio proposito   di boicotaggio  anti mondiali     ho letto  sulla  nuova   Sardegna d'oggi   di  questa  bellissima  iniziativa  a  cura  di   Graziella Carta: «Una sapienza da salvare che parla ancora come un’arte moderna» . 

 Infatti  Essa  insieme  ad  altre tessitrici  (    di Alberta Pinna, Lucia Piredda, Lucia Todde, Gonaria Todde e Rosaria Ladu  )    hanno  creato Sei grandi tessuti  che  raffigurano  Guernica    di Picasso  ora  in esposizione  al  museo Man  di Nuoro .

  dall'articolo   del  giornale  

Un lavoro minuzioso, un’arte antichissima e una creatività attuale si sono incontrate, per urlare ancora contro la sopraffazione, nelle tessiture per “Picasso e Guernica. Contro tutte le guerre”, mostra al Man (a cura di Michele Tavola) visitabile fino al 19 febbraio prossimo. Un’esposizione imperdibile che propone il reportage fotografico di Dora Maar sulla creazione dello storico dipinto di Picasso oltre una notevole collezione di incisioni del maestro spagnolo e di documenti dell’epoca. Il rapporto con il territorio che propone il Man – e una chiamata all’impegno pacifista – è l’animazione dell’artista nuorese Manuelle Mureddu e i sei tessuti dello studio Pratha di Sarule dedicati a Guernica. «Tutto nasce da un’intuizione di Chiara Gatti, direttrice del Man» spiega Graziella Carta, imprenditrice nuorese innamorata dell’arte e impegnata nel recupero della straordinaria tradizione del telaio sardo. «Chiara ci ha conosciute in occasione del Nuovo Bahaus europeo 2022. Evento che aveva selezionato il nostro lavoro e che, citando la storica scuola di design, ha come obiettivo i valori della bellezza, sostenibilità e inclusività – racconta Carta –. Così è nato il progetto della nostra designer». Entra in campo un altro eclettico talento: Laura Lai, designer, artista, ingegnere, cantante e compositrice musicale – partita dall’Italia per intraprendere la sua carriera creativa a Londra, per quasi dieci anni – attualmente lavora a Singapore. «Per Guernica tutto è nato dall’analisi dell’opera, i punti essenziali e la simbologia – spiega Laura Lai – così è nata la selezione delle sei immagini che si vedono riproposte al Man, analizzando le gradazioni di grigio e estrapolando gli elementi più rappresentativi. Ho riprodotto l’opera al computer, una griglia per le tessitrici, (ad ogni quadratino corrispondono un certo numero di fili). Colorando ogni quadratino nella giusta tonalità di grigio si è ottenuta una rappresentazione fedele all’originale. Una palette di colori naturali, con qualche piccola aggiunta di sfumature di nero per poter rimanere fedele a Picasso. La stampa che ne consegue è su misure originali, in modo da poter agevolare il lavoro delle tessitrici ed assicurare una risultato ottimale anche quando il design di alcune opere, come questa, risulta alquanto complesso per la riproduzione al telaio». Al telaio, verticale, senza spola, ma solo ordito e trama, le mani esperte di Alberta Pinna, Lucia Piredda, Lucia Todde, Gonaria Todde, Rosaria Ladu. «Un progetto sul capolavoro di Picasso – conclude Graziella Carta – ma anche delle opere che parlano di noi, perfino nei profumi delle erbe tintorie, nella consistenza della lana. Una cosa tutta nostra che nessuno può imitare. Perché sono convinta che sia l’unicità dell’arte la cosa più preziosa».

gli Nft nuova frontiera o snaturalizzazione delle opere d'arte ?

Quando nasci in un mondo nel quale non ti adatti, non sei sbagliato ! è perché sei nato per contribuire a crearne uno nuovo !

approfondimenti

NFT: cosa sono e come funzionano? Alcuni esempi - Inside Marketing

E' raro , poi dipende dai punti di vista , trovare sui giornali di Destra ( o almeno un certo tipo di destra )  degli ottimi interventi culturali .Ed questo è uno di quei rari casi . 

 Da il giornale del 16\11\2022 di Ferruccio Invernizzi

 

Cari lettori, oggi apro questo articolo con unacronimo:NFT (nonfungible token). Un fenomenomolto complesso entrato in scena da qualche anno,del quale molto ancora si deve capire. Ma di cosa si tratta? In italiano potremmo tradurre NFT con: gettone non riproducibile,che stabilisce l’atto di proprietà e la certificazione di autenticità di un elemento digitale. Ci troviamo di fronte ad una tecnologia in grado di creare un codice che non può essere riprodotto da nessun altro,utilizzabile per “contenere” un elemento digitale e venderlo attraverso una cryptovaluta. Si presta perfettamente per vendere opere d’arte, musica, video, è tutto quello che si può digitalizzare,addirittura collezioni di moda e gioielli digitalizzati.Il creativo genera un file, o una foto del suo prodotto, poi viene creato un codice identificativo dell’opera e del suo atto di proprietà e unicità, ed infine lo lancia nel mercato delle cryptovalute. Parliamo dunque di prodotti non fisici, che grazie alle loro caratteristiche possono essere venduti in tuttilmondo senza transizioni complesse e limiti doganali.Uno sviluppo per certi versi interessantema assai fragile, legato proprio all’elemento tecnologico. Ma la mia riflessione non vuole approfondire questi aspetti, piuttosto cosa significhi per il mondo dell’arte. Tutto questo ci sposta in un mondo non fisico, che si adatterà alla nascita del metaverso ma che crea una frattura col mondo fisico in cui viviamo.Mi chiedo allora cosa possa aggiungere di nuovo al mondo dell’arte? Nascerà un nuovo linguaggio artistico? Avremo più possibilità espressive? Sarà possibile comunicare sensazioni nuove o nuovi concetti artistici? Si tratta semmai di un volano che faciliterà investimenti e speculazioni finanziarie. Infattila proprietà fisica dell’opera rimarrà in possesso delcreatore, ma nessuno potrà garantire che non vengano creati più file digitalidella stessa opera, e questo comprometterebbe l’investimento, in alcuni casi milionario, del compratore.La mia generazione èabituata al possesso fisico delle cose e soprattutto delle opere d’arte e ad un contatto diretto che si instaura con l’opera in una serie di scambi complessi. Si può guardare mille volte lo stesso dipinto e trovare ognivolta cose nuove.Nel mondo digitale tutto questo viene “compresso”, reso pelementare, soprattutto NFT, che non possono contenere immagini in alta risoluzione per via delloro tipo di tecnologia.Non sappiamo dove ci porterà tutto questo, per esperienza fare previsioni in meritoèmolto difficile,anche alla luce di quanto sta accadendo ai Bitcoin. I facili entusiasmi che accompagnano le novità possono finire in bolle speculative devastanti. Da personacuriosa continuerò ad osservare il fenomeno, a studiarlo, ma convinto che quando uso soldi reali preferisco comprare cose reali. 

 Egli ha perfettamente tragione non aggiungo altro perchè un ulteriore parola è poco ed due sono troppe Posso dire da semplice fruitore di opere d'arte non solo museali , per giunta più giovane dello stesso giornalista , che condivido quanto dice . Forse perchè sono cresciuto ed ho sviluppato la mia idea \ concezione dell'arte prima che le applicazioni informatiche fossero applicate come il caso in questione fosse applicate alle opere d'arte . Infatti sono abituato ad un rapporto : fisico , visivo , con le opee d'arte oltre che a vederle dal vivo quando posso o in tv o sui libri . Almeno per il momento mi chiedo a differenza sua sarà utile , si trasformerà l'arte in un iun bene per pochi eletti continuerà ad essere fuibile a tutti ?

le coincidenze esistono o non esistono ? il caso della fotografa elena pinna e la traspozione letteraria di topolino TopoPrince

 Secondo la teoria della sincronicità le coincidenze non esistono, o meglio non sono connesse da collegamenti causa-effetto, ma da una rete che unisce l’ambiente, l’inconscio collettivo e le persone. Infatti    le persone e gli eventi accadono sempre con la loro grande ragione. I cattivi e i buoni, hanno tutti una ragione d’essere.”  Secondo   la   blogger   lamenteemeravigliosa.it o   in parte   secondo me  .  : <<Esse  forse non esistono o per lo meno io non credo tanto in loro. Sembra che confermino la legge del desiderio secondo cui se si ha in mente un pensiero fisso, un desiderio o un bisogno, tutto ciò in qualche modo attrarrà le soluzioni >>

Però a volte     sarà il caso , il destino  o l'imprevvedibilità    della  vita  e del suo svolgersi     succede  che   esse   capitino  .Ecco  cosa  mi  è  successo   stmattina  . 

Appena  Alzato  , oggi mi sono svegliato    un po' più  tardi  ,   di solito    a quell'ora  sono al lavoro ,     ho  ascoltato    il Tg  regionale  buongiorno  sardegna     con la  notizia  o meglio   co la   storia     della  fotografa astronomica    (  vedere   sotto )  Elena  Pinna  e   a  successiva  lettura    della  storia ( la  prima puntata  )   di  copertina   tropoprincipe (   trasposizione   fumettistica  dell'opera   Il piccolo principe \Le Petit Prince un racconto di Antoine de Saint-Exupéry  )   du    topolino   di questa settimana  (  copertina sopra   a sinoistra  )    . Infatti  il servizio di tg buongiorno regione sardegna  d'oggi 14\  ottobre ( du cui    trova  sopra  al centro  e  sotto a  sinists      due  screenshot  )  

 in cui si parla di uan fotografa sarda , Elena Pinna (  foto a  sinistra  ) 38 anni di villacidro apassionato di astronomia ed fotografia e che ha saputo trovare il carpe diem con una sua bellissima fotografia una delle tante che trovate sul suo istangram e la sua pagina facebook ) condivisa nelle storie dalla pagina NASA Artemis   ( prima   foto  sotto     al  centro  )  

   Invece  qui  sotto    la  versione    originale  

l'originale  dal  suo  istangram  

mi ha fattto , di solito inizio le mie giornate non lavorative con la lettura dei iornali , leggere per primo il fumetto in questione . Credo che andrò a rileggermi l'opera di Antoine de Saint-Exupéry e che lo regalerò per natale al nipote di nostri amici .  Cooncludo confermando   qu,anto detto da  le  nel servizio televisivo   il cielo  è di tutti  

Giuseppe Sartorio il mariorana sardo

nuova sardegna del 20\9\2022

 Sassari
Il caffè è pronto e un cameriere lo va quindi a chiamare. Prima uno sguardo in sala da pranzo, poi una occhiata direttamente in cabina. Ma niente da fare: Giuseppe Sartorio non si trova. Svanito nel nulla a bordo del piroscafo che collega Terranova [l'attuale  Olbia ]  con Civitavecchia. È l’alba del 20 settembre 1922 e l’uomo che ha scolpito centinaia di tombe e monumenti in tutta Italia è appena diventato un fantasma. Le ipotesi sono tre: disgrazia, suicidio o delitto. Nessuno lo saprà mai. Ma quel che è certo è che proprio lui, genio indiscusso dell’arte funeraria tanto da essere chiamato il Michelangelo dei morti, dentro una tomba alla fine non c’è mai finito. Restano però le sue opere. Tantissime. Solo nel cimitero di Sassari se ne contano un centinaio. E poi naturalmente il suo lavoro per eccellenza, il più famoso da queste parti: la statua di Vittorio Emanuele II che dal 1899 domina con sguardo severo il centro di piazza d’Italia. Lo scultore Nato nel 1854 a Boccioleto, in Piemonte, Giuseppe Sartorio scolpì busti, statue, lapidi e altari. E arrivò in Sardegna quasi per caso, dopo gli studi
e i primi lavori tra Torino e Roma, quando vinse un concorso per la realizzazione di un monumento da dedicare a Quintino Sella, a Iglesias. «L’isola conobbe così l’arte di Sartorio. Ben presto aprì quindi un laboratorio a Cagliari e un altro ancora a Sassari. Aveva anche molti allievi» racconta Fabrizio Vanali, sassarese, appassionato di storia e grande conoscitore dell’arte di Sartorio, al quale ha anche dedicato una pagina Facebook che conta più di 1300 iscritti. «I suoi monumenti sono molto realistici – spiega Vanali –. Sono veri, nei lineamenti e in particolare negli occhi, e quando li fissi sembra quasi che ti parlino. Per questo mi piace la sua arte. Un’arte che ha raccontato e che continua a raccontare la vita di molte persone». Le sculture di Sartorio e dei suoi allievi – monumenti dedicati a personaggi illustri e tantissime tombe – si trovano un po’ dappertutto. Da Cagliari a Iglesias, da Ozieri a Oschiri, da Ittireddu a Pattada, da Nuoro a Oristano, da Ploaghe a Porto Torres. E poi Sassari, dove il cimitero monumentale

è pieno zeppo di scuture firmate  Sartorio .Basta pensare alla tomba del tipografo Giuseppe Dessì, a forma di piramide, o a quella del giovane Andreino Guidetti, scolpito in divisa all’interno di un sarcofago con il coperchio spostato. «Nel nostro cimitero si contano circa cento tombe realizzate da lui – prosegue Vanali –. E altre opere si trovano all’interno di diversi palazzi, come nel vecchio ospedale civile di piazza Fiume, nel palazzo della provincia, a palazzo ducale, nell’ospizio di San Pietro». E poi c’è la statua di piazza d’Italia, quella che ritrae Vittorio Emanuele II di Savoia. Per l’occasione Sartorio lavorò su un enorme blocco di marmo arrivato da Carrara, il più grande mai trasportato in Sardegna. All’inaugurazione della statua, nel 1899, parteciparono anche il re Umberto I e la regina Margherita. E

proprio per salutare i reali, Sassari organizzò una grande sfilata di costumi sardi. Fu la prima edizione – se si esclude quella del 1711 – della Cavalcata sarda. Il mistero della morte Celebre in tutta Italia, Sartorio fece perdere le sue tracce a 68 anni nella notte tra il 19 e il 20 settembre 1922, cento anni fa esatti, a bordo del piroscafo Tocra, tra il porto di Terranova, l’attuale Olbia, e quello di Civitavecchia. È certo che si imbarcò, ma la mattina del 20 non venne trovato da nessuna parte. Come ha ricostruito alcuni anni fa nella sua tesi anche Carolina Onnis, ex studentessa dell’Accademia di Sassari, le piste d’indagine furono tre. Forse suicidio, visto che Sartorio aveva da poco perso la moglie. O magari una disgrazia, considerato che lo scultore soffriva di una sindrome vertiginosa che avrebbe potuto fargli perdere l’equilibrio. Oppure un delitto a scopo di rapina, visto che il suo portafoglio non fu mai ritrovato

Ecopellegrinaggio musicale per la pace e l’unità dei cristiani

Avvenire.it

Hanno voluto chiamarlo eco-pellegrinaggio musicale per la pace e l’unità dei cristiani. Impegnativo, certo. Tanti propositi in un solo viaggio potrebbero sembrare sovradimensionati, ma finora il gruppo della parrocchia di Viersen, diocesi di Aquisgrana, Nordovest della Germania, a due passi dall’Olanda e dal Belgio, è riuscito a centrare tutti gli obiettivi. Sono partiti in 14 (tredici uomini e una donna) dalla parrocchia della città tedesca il 23 luglio scorso e ieri, rispettando pienamente la tabella di marcia, sono approdati a Roma. Domani alle 17 è previsto un breve concerto d’organo nella Basilica Vaticana.

© Fornito da AvvenireEcopellegrinaggio musicale per la pace e l’unità dei cristiani

A suonare saranno loro stessi, o meglio il responsabile del pellegrinaggio che si chiama Giovanni Solinas ed è un organista italiano che da cinque anni vive in Germania. Può sembrare insolito il fatto che un italiano faccia da guida a un gruppo di tedeschi, ma la fede e la cultura possono azzerare anche i luoghi comuni più radicati. Come il fatto che un gruppo di fedeli di una parrocchia tedesca decida di intitolare un pellegrinaggio attraverso Germania, Svizzera e Italia “L’année de pèlerinage” (in francese). Nessuno stupore. Spiritualità, pace e musica, elementi fondamentali di questa esperienza, non hanno confini.
Certo, per portare un messaggio tanto importante, percorrendo oltre 1.600 chilometri in bicicletta, dal Nord della Germania fino a Roma e da qui, con un traghetto che partirà da Civitavecchia, fino ad Alghero, dove il viaggio si concluderà il prossimo 26 agosto, oltre a un indiscutibile anelito ideale, servono buone gambe. Ma i fedeli tedeschi sono ben allenati, visto che hanno superato senza difficoltà le montagne svizzere, compreso il passo dello Spluga. «Ma no, siamo tutti dilettanti e – spiega Giovanni Solinas – e tra noi ci sono anche persone non più giovanissime». Forse tanta energia spirituale arriva dai concerti d’organo di cui il pellegrinaggio è stato punteggiato. Ogni tappa si è trasformata in una preziosa occasione per offrire alle comunità ospitanti le note di importati brani liturgici. Oltre che nella chiesa della loro parrocchia, San Cornelius di Viersen, alla partenza, Solinas ha suonato nella chiesa di Sant’Apollinare, a Remangen; in quella di San Giuseppe a Montag Alzey; nella parrocchia di Sant’Alessandro a Rastatt; in quella dei Santi Pietro e Paolo a Spaichingen; e poi, in Svizzera, nella parrocchia di San Nikolaus ad Altstätten. In Italia la prima tappa musicale si è tenuta nella Basilica di Santa Maria di Campagna a Piacenza, seguita da quella nella Cattedrale di Santa Maria Assunta a Pisa. Stasera, alle 18.45, concerto nella chiesa di San Giovanni Bosco a Castro Pretorio di Roma. Domani il cuore del pellegrinaggio, in Vaticano: «Mi hanno detto che forse scenderà in basilica anche il Papa per un breve saluto, ma non vogliamo illuderci». E poi, dopo Ferragosto, in Sardegna, sono previste tappe a Ozieri, Alghero, San Pietro di Sorres Borutta. L’intero progetto musicale è sostenuto dal Goethe-Institut perché Solinas, 36 anni, non è proprio l’ultimo arrivato. Oltre che, come detto, organista della Basilica di San Cornelius a Viersen-Dülken, è direttore artistico della casa editrice Motette-Psallite di Düsseldorf. Dopo il Conservatorio, in Italia, si è specializzato in musica liturgica a Ginevra e Düsseldorf. «Avrei voluto rimanere in Sardegna ma nessuno mi ha offerto nulla. Così da 5 anni mi sono trasferito in Germania e mi trovo benissimo». Questo pellegrinaggio, al di là di tutti gli importantissimi obiettivi raccontati, è un po’ anche il suo riscatto.

la squadra degli Insuperabili e la break dance alle olimpiadi

 Insuperabili è una scuola calcio per ragazzi con disabilità, nata a Torino 10 anni fa ed oggi diffusa su
tutto il territorio nazionale con 650 atleti che giocano in 17 sedi. In occasione dell'annuncio della partnership con Intesa Sanpaolo, Davide Leonardi, Co-founder Insuperabili, ci ha raccontato del loro Metodo, il sistema costituito da molteplici figure professionali che insieme costituiscono l'equipe di lavoro che quotidianamente segue e allena tutti gli atleti.

"Vogliamo raccontare il nostro Metodo tramite una storia concreta, quella di un nostro atleta: Alessio.

Scopriremo insieme il suo percorso, la sua stagione e soprattutto come vive e come affronta quotidianamente lo sport. Il finale è tutto da scoprire, perchè proprio come nello sport, non abbiamo un finale già scritto". Il sogno di Alessio, atleta della squadra Pre Agonistica, è quello di difendere i valori ed i colori di questa realtà con la maglia della Prima Squadra.

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Inizialmente   pensavo che  la  black  dance  pur essendo      spettacolare  per  certi versi  liberatoria      come  dimostrano  questo video  

sia questa la voce break dance di https://it.wikipedia.org ma se avevo qualche dubbio su farne un sport olimpico ritenendolo inopportuno ed inappropriato . Poi leggendo

 quanto dice    https://www.federdanza.it/area-sport/street-e-pop-dance/break-dance/la-disciplina-break

 [---]  Oggi il breaking è presente anche in TV, nella cultura popolare, così come negli spettacoli teatrali. In conclusione il breaking si è evoluto in una forma d'arte a livello globale, al cui interno sono presenti alcuni elementi sportivi che gli conferiscono una natura atletica. Ciò ha di certo influito nella decisione nel 2016 del Comitato Internazionale Olimpico (CIO) di aggiungere il breaking ai Giochi Olimpici Giovanili del 2018 a Buenos Aires e dell'edizione 2022 di Dakar.
[... ]

Infatti : [.. ] "Ci vogliono anni di sudore, sangue e lacrime per creare dei movimenti, delle coreografie, ci racconta Fabiano Lopes uno dei campioni di breakdance --- su quest   articolodi   https://it.euronews.com/--- Penso che la società abbia bisogno di capire un po’ di più questa forma d'arte che è sorprendente proprio come il calcio, o il basket.”

Il breaking è una specialità ricca di stimoli culturali e di contaminazioni, che ruota attorno a quattro elementi fondamentali per la creazione delle esibizioni, Le origini risalgono ai primi anni '70, quando nel South Bronx, a New York, si diffonde per la prima volta la cultura di strada Hip Hop.
"Questa forma d'arte è spirituale, fisica e mentale. Noi non stiamo solo facendo movimenti strani, come girare la testa o il corpo. Costruiamo delle geometrie che sono sacre”, prosegue Lopes. “Dobbiamo ruotare la tesa con una forza che arriva da tutto il corpo. E’ come generare potere. Una specie di guarigione, Alla fine della giornata siamo esausti. E poi è un ritorno alle origini. Bisogna possedere le basi di questa forma d'arte per poter creare un milione di passi. Dal passato bisogna portare sulla scena qualcosa di nuovo. Queste basi sono fondamentali. Io dallo stile newyorkese posso passare alla versione brasiliana, un mix di innovazione.”[... ]

roberto soldatini Il violoncellista che vive in barca a vela

Un nuovo ritmo alla proprio vita. Roberto Soldatini dieci anni fa ha deciso di lasciare la carriera da direttore d’orchestra e vendere la propria casa romana per vivere in barca, per riscoprire se stesso e la musica. Adesso il lavoro segue il suo nuovo approccio e la scelta del conservatorio presso cui accettare un incarico è dettata esclusivamente dal nuovo porto da scoprire. Dopo anni a Napoli e Venezia ora tocca a Trani, ospite della locale lega navale, come punto d’appoggio per il conservatorio di Bari. E il rapporto col mare ha prodotto nuova ispirazione con cui ha scritto quattro libri e un concerto.

 da  suo  blog  https://www.robertosoldatini.com/

Roberto Soldatini navigatore solitario alterna sei mesi di navigazione e sei mesi in cui sverna nella laguna di Venezia nella sua barca-casa .
Suo compagno di viaggio è un violoncello del Settecento, Stradi , che trasforma la pancia della sua barca in una cassa armonica della cassa armonica. Roberto Soldatini è il sito ufficiale del direttore d'orchestra, violoncellista e scrittore che al giro di boa dei cinquant' anni ha deciso di liberarsi di quei sassi dalle tasche che gli impedivano di fare un salto e di lanciarsi di bolina verso una nuova dimensione.
Per fare il salto ha venduto casa e comprato in Inghilterra un Moody 44 che da sette anni è la sua unica dimora, liberandosi di tutti gli orpelli che appesantiscono la vita, alla ricerca dell'essenziale, di se stesso e dell'armonia. E quale posto migliore se non nel mare ?

 concludo con un suo  concerto  

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"Dipingo i sassi e li lascio per strada": così Francesco a 82 anni ha riscoperto la felicità

 ricolleggandomi   a quello  che  dicevo nel mio post    elucubratorio : <<    cosa è la felicità  >>
credo che la risposta o almeno una delle risposte sia questa

  da  repubblica  online

La pittura come forma di evasione dalla depressione. Strumento di felicità che poi è diventata - inevitabilmente - condivisa per l'82enne Francesco Occhiogrosso. L'anziano pittore di Bitetto, in provincia di Bari, ha scelto una tela particolare per le sue opere: i sassi. E ogni mattina, quando esce di casa, ne porta uno con sé, per lasciarlo in strada e attendere che venga ritrovato, per regalare un sorriso a un estraneo.

L'anziano pittore di Bitetto, in provincia di Bari, ha scelto una tela particolare per le sue opere: i sassi. E ogni mattina, quando esce di casa, ne porta uno con sé, per lasciarlo in strada e attendere che venga ritrovato, per regalare un sorriso a un estraneo. Un'idea nata grazie al fugace incontro con un gruppo Facebook, ideato da una donna svizzera che attualmente vive nelle Marche. Per Francesco una vera e propria missione, tanto che in occasione della Giornata internazionale contro la violenza sulle donne, il 25 novembre distribuirà sassi con la raffigurazione di una donna afgana. "Non ci vuole chissà quale bravura - racconta - basta un disegno semplice per regalare un sorriso e cambiare la giornata di qualcuno"

 

 

LA SPIGOLOSA VICENDA DELLA SPIGOLATRICE CALLIPIGIA

 di  cosa  stiamo parlando

Il monumento è stato svelato alla cittadinanza domenica 26 settembre, alla presenza delle autorità locali e del presidente M5s Giuseppe Conte. La foto ha subito iniziato a circolare online ed è stata duramente condannata da alcune esponenti politiche (da Boldrini a Cirinnà). Il senatore M5s Castiello: "A chi critica sfuggono le fattezze fisiche delle donne meridionali". L'artista si difende: "Allibito e sconfortato" da il  fatto     quotidiano del  27\9\2021 qui l'articolo   integrale

m'ero promesso,le mie solitecpromesse da marinaio da cui non riesco a stare al larga, di non parlare  ancora ne avevo già parlato nel mio Facebook.  Ma questo post  del  cogito ergo sum Lorenzo tosa  mi ha fatto cambiare idea .

Lorenzo Tosa 

Avrei voluto evitare di parlare della spigolatrice di Sapri.Poi mi sono imbattuto, mio malgrado, in centinaia, migliaia di commenti secondo cui, se non vi piace quella statua, allora “siete come i talebani”, “odiate la bellezza”, “vi fa paura un cu**” o, ancora, “applaudite Victoria dei Maneskin o Chiara Ferragni se si denudano, ma se vedete un sedere su un’opera d’arte allora l’artista è un porco schifoso.” Giuro, ho letto anche questo.E sto sperando ardentemente che siate in malafede, ma tanto. Perché non posso credere che qualcuno davvero non riesca a capire la differenza enorme tra libertà sessuale e sessualizzazione della donna.La differenza tra la scelta

delle donne e la scelta dell’artista (stranamente uomo).Che non capiate la differenza
tra una donna che, liberamente, sceglie di mostrarsi nuda o svestita senza dover chiedere il permesso a nessun uomo o marito o dover rendere conto a bigotti e bacchettoni e una statua che dovrebbe rappresentare una contadina dell’800 e ideali risorgimentali, e non certo gli stereotipi estetici di un maschio contemporaneo o un catalogo di Victoria’s Secret.Nessuno si scandalizza per un cu**. Ma è scandaloso che l’unico elemento caratteristico per rappresentare una donna lavoratrice siano due chiappe all’aria racchiuse in un tanga (quale contadina nell’800 non si spaccava la schiena sui campi di grano in tanga?). Esattamente come grideremmo allo scandalo di fronte a una statua che raffigurasse un Premio Nobel per la Fisica con il seno di fuori, una scienziata in completo intimo o un politico del passato con le pudenda di fuori. Non perché sia imbarazzante un seno, vergognoso un intimo o censurabili le pudenda, ma semplicemente perché è l’ultimo modo in cui, per fortuna, decidiamo di rappresentare l’intelligenza, l’ingegno o la cultura.Per dirla in modo chiaro, quella statua non è sessista perché mostra un cu** di donna ma perché il cu** è l’unica idea possibile di donna che rappresenta.L’unica differenza tra voi e i talebani è che loro lo coprono, voi lo ostentate. Ma, per entrambi, non esiste altro. Questo, in una parola, è il maschilismo.

Ora  Lorenzo Tosa   non ha  tutti  i  torti ed   le  sue  osservazioni     sono  condivisibili    e  da non  biasimare . La statua     ha  creato   Immediate le polemiche: “Ma come possono perfino le istituzioni accettare la rappresentazione della donna come corpo sessualizzato? Il maschilismo è uno dei mali dell’Italia”… dichiara stizzita l’ex Presidente della Camera Laura Boldrini, subito sostenuta da esclamazioni tipo “è diseducativa! Vanifica la parità di genere! Abbattetela!”Benvenuti nel nuovo Medioevo signori e signore (perdonate la distinzione non in linea con la parità di genere) dove il corpo diventa qualcosa da dover nascondere in quanto indicativo del sesso di appartenenza. Dove il proprio aspetto va nascosto perché banalizza la persona. Dove mostrarsi uomo o donna è di per sé inopportuno.Faccio notare che anni fa qualche pervertito ha pensato di esporre nel Museo Nazionale della Magna Grecia due secondo alcune tre secondo altri rivenute a Riace… statue raffiguranti uomini nudi! Vanno rimosse immediatamente!Mi dicono anche che a Firenze capeggia trionfale il pisello di un certo David! Non scherziamo! Censura !!!.

<< [...]Non parliamo poi della Venere del Botticelli… quella è >>come dice Matteo Viviani <<

pura pornografia.Ora… una riflessione: ma se l’intravedere le caratteristiche anatomiche dell’uno o dell’altro sesso diventa, appunto, sessualizzante e quindi inopportuno, forse dovremmo fare un pensierino serio sull’adottare il burka anche in Italia! La stessa boldrini ,dato il suo sdegno, potrebbe dare il buon esempio preferendolo ai suoi tailleur ed ai suoi tacchi così sessualizzanti… no?>> Ecco alcuni commenti riportati da miei contatti femminili su Fb

Ti ricordo che "la spigolatrice" era una donna che lavorava nei campi, cosa c'entra un velo addosso giusto per far vedere il culo?
Certamente non andavano vestite così!
Cattivo gusto e, come sempre, donna oggetto sessuale, anche se si parla di una lavoratrice dei campi!

Una smutandata...E quei quattro politicanti con la mano sul petto pensano, promettiamo solennemente, caro popolo, di lasciarvi tutti così, senza mutande. Neppure quelle vi lasceremo. lustra la vista agli uomini e basta, le contadine non erano da intimissimi, erano donne! Orrore, non c'è niente che riporti alla figura di una spigolatrice. Vergogna!

Ora che sia bella , mediocre secondo me, ovviamente sono un semplice fruitore ed non uno storico dell'arte o un artista di professione o brutta come dice il prof di storia dell'arte all'accademia di Palermo

Luigi Agus

2ro0soo heg  · 

Col sessismo evocato da qualcuno a poco a che fare perché è proprio brutta. Brutta perché significante di un non significato, brutta perché rigida e inespressiva, brutta perché ha un effetto Pigmalione al rovescio: lo scultore è riuscito ad assemblare il peggio delle formose anni Ottanta con un viso da quarantenne rifatta e un abito vedo-non vedo da mercatino. Insomma una prova più che debole, pessima, che con quelle terga di bronzo da chirurgo plastico di periferia, nemmeno può sollecitare pruriti a chicchessia.

IO  che  penso    che  L'arte  l' arte bella o.brutta che sia è dovrebbe essere Libera interpretazione di un artista.

Ora la statua questione si può essere anche un opera sessista e fuorviante come fa notare anche https://www.gaypost.it/perche-la-statua-della-spigolatrice-di-sapri-non-va-bene-spiegato-facile

Va  bene    avere   pareri  cointrastanti ed  contrari    ma    rimuoverla   mi sembra  inutile faccio mio  l'intervento  di 

Donata Martina Manzolillo

17 h

 

 · 

“Il maschilismo è uno dei mali dell'Italia.”

L’unica cosa sensata e vera che ho letto nelle dichiarazioni della Boldrini sulla “#Spigolatrice” di Sapri.

Donne…

Sentitevi offese quando gli uomini parlano di noi come oggetti sessuali o esseri inferiori.

Quando diventiamo prede da aggiungere ad una lista di nomi.

Quando per far carriera - dopo essersi fatte “un gran mazzo” - la meritocrazia non serve: si chiede di barattare il proprio corpo, scendendo a compromessi, per andare avanti.

Sentitevi offese quando vi si chiede di attuare il cinico proverbio milanese:”na lavada, na sugada, la par nanca duperada”(“una lavata, un’asciugata e non pare neanche usata”)

Sentitevi offese quando denunciare o rifiutare le avance di un “capo” vuol dire rischiare di perdere il posto.

Sentitevi offese quando inoltrano a terzi screenshot di chat o foto private o ricevete messaggi/commenti inadeguati.

Ma non sentitevi offese nell’esposizione di una “natica scultorea” (ad avercela così #altaesoda !!!)“Nel caso della Spigolatrice, poiché andava posizionata sul lungomare, ho ‘approfittato’ della brezza marina che la investe per dare movimento alla lunga gonna, e mettere così in evidenza il corpo.” (Emanuele Stifano - scultore della statua “Spigolatrice”) Ne hanno chiesto addirittura l’abbattimento (“è una statua diseducativa e fuorviante che banalizza le donne e vanifica ogni comizio in favore della parità di genere urlato dalle poltrone politiche di ogni istituzione”) Ed i contenuti di Instagram - foto quotidiane di donne denudate, piene di filtri che modificano la realtà - non sono “diseducativi e fuorvianti” e vanificano la parità di genere?!Ah, no… sono #influencer! Io non vedo, neanche lontanamente, una “rappresentazione della donna come corpo sessualizzato” ma solo tanta Bellezza femminile nella sua integrità. Vedo una Donna che volge il suo sguardo verso il mare, un simbolo, una sorta di musa.Vedo Arte. Boldrini e Cirinnà… i Bronzi di Riace - con le loro nudità in bellavista - “sono un’offesa” agli uomini?!Dopo “Biancaneve e il bacio non consensuale”, la prossima bufera magari avrà come protagonista Giulietta: palpeggiare il suo seno diventerà violenza sessuale?!

e ell'amico utente

Augusto Galleri

In arte , quella pura , vi è solo interpretazione . L'artista ha voluto , forse ; rimarcare che : le mondine erano il fior fiore della gioventù del momento. Per bisogno lasciavano la propria casa i propri cari per andare nelle risaie dei latifondisti padani e polesine. Venivano trattate allo stremo del rispetto umano . A ricevere maggior < attenzione > erano le più belle, le più avvenenti che loro malgrado ......... dovevano sottostare a ciò . Se oggi si vede in questa rappresentazione la loro bellezza la loro avvenenza : l'artista ha fatto centro. Quanti pollastri li toccheranno il leto bi immaginando.... non so quanti di questi palperanno il membro del davide a firenze .

Bisogna      se  mai    bisogna   " attaccare "   e rimuovere   non la  statua  in se  o l'autore   ma  La perversione  della  gente  o  di certe  persone  . Infatti   non ci è voluto molto perché un tizio si precipitasse a toccare il perfetto e tondo sedere della statua. Poi la foto accompagnata dalla didascalia: “Venite qui a dare una tastata, altro che la tetta moscia di Giulietta” riferendosi alla statua di Giulietta Capuleti a Verona che notoriamente nessuno   palpa sul seno. Si dice porti fortuna in amore.

  concludo   con il  bellissimo intervento  pur  non condividendo il suo elogio della  bellezza    di tale statua    di       Angelo Forgione fanpage

Certo, l'autore della statua della Spigolatrice di Sapri da poco inaugurata tra le accuse di sessismo ed erotismo non mi pare abbia colto esattamente lo spirito con cui Luigi Mercantini scrisse la famosa poesia risorgimentalista relativa alla vicenda antiborbonica di Carlo Pisacane del 1857, perché l'opera tutto evoca tranne che una consumata spigolatrice dell'Ottocento, e non sembra affatto una donna turbata dalla visione di un massacro.

Massacro che non fu compiuto dai borbonici, come falsamente scritto dal Mercantini, ma delle

popolazioni locali che si opposero ai saccheggi e agli omicidi compiuti da quelli che non erano eroi ma galeotti appena liberati da Pisacane dalle prigioni di Ponza.

Tra retorica risorgimentale e polemiche, bisognerebbe chiedere alla Boldrini, alla Cirinnà e alle donne del PD indignate per il sedere prorompente della suddetta lavoratrice perché non si sono mai indignate per la Venere Callipigia al Museo Archeologico Nazionale di Napoli, che tira su la veste e mostra orgogliosamente le natiche, con intento apotropaico. Quella bimillenaria statua romana, copia di un più antico bronzo greco, è ideale classico di bellezza femminile, e ci dice che la rappresentazione del corpo femminile è variata secondo i valori sociali e culturali di ogni epoca storica e di ogni popolazione. Per i Greci e i Romani è stato un motivo di bellezza. Per il Cristianesimo si è rivelato invece fonte d'estremo d'imbarazzo. Per il femminismo moderno è oggettivazione della donna che confermerebbe il dominio dell'ideologia patriarcale nella società occidentale.